La cueva de Chauvet: ¿pinturas de 30.000 años?

Los primeros humanos que vivían en Europa llevaban una vida llena de peligros y desafíos, posiblemente se enfrentaban diariamente con la muerte, pero aún así tuvieron tiempo para crear arte. Este arte incluía instrumentos musicales, vestimentas decorativas, esculturas complejas y pinturas, como las encontradas por el espeleólogo Jean-Marie Chauvet en 1994. El arte encontrado en la cueva de Chauvet, en la región de Ardèche, en el sur de Francia, era tan avanzado que los historiadores inicialmente tuvieron problemas para datarlas y constatar que las obras eran tan antiguas como lo son.

Pero la datación por radiocarbono demuestra que las imágenes en las cuevas de Chauvet se remontan definitivamente a dos períodos: hace 37.000 a 33.500 años y de 31.000 a 28.000 años. Estas pinturas rupestres muestran una increíble y sofisticada profundidad técnica. No solo se muestran con realismo las imágenes de los antepasados ​​(hoy extintos) del ganado y el bisonte actuales, sino que también se representan muchos otros animales: rinocerontes lanudos, uros, caballos salvajes, leones e incluso un búho (con la cabeza vuelta) que son perfectamente reconocibles.

Para dar mayor una sensación tridimensional y de movimiento a los más de 420 animales representados, se utilizaron y aprovecharon protuberancias, fisuras y recovecos de las paredes de la cueva.

Mientras que los primeros dibujos se crearon usando líneas negras hechas a base de carbón o dióxido de manganeso, los colores posteriores incluyeron tonos rojos y arcillas para marrones. Se exhiben una gran variedad de técnicas, que incluyen el sombreado, la perspectiva, motivos repetitivos y lo que hoy llamaríamos puntillismo y estarcido.

Se agregaron colores y formas a las paredes de la cueva usando pinceles, dedos, pieles de animales (llamadas pinturas de tocones) y manos (para hacer impresiones de las palmas). Incluso se creó un tipo de pintura en aerosol al soplar pigmento por la boca para crear un abanico de color en un área más grande. Se cree que algunas de estas marcas son las representaciones más antiguas conocidas de una erupción volcánica. Para que las imágenes se fijasen y destacasen más, primero se rasparon y se limpiaron las paredes de roca.

Dado que estos dibujos se hicieron dentro de las cuevas, se necesitaba luz para artificial, como antorchas y lámparas de grasa. Las pinturas se realizaron a tal altura que las personas que se necesitaron construir andamios para acceder a muchos espacios. Se invirtió mucho tiempo y esfuerzo lo que nos lleva a preguntarnos el sentido y la importancia que tuvieron para sus creadores. Otra cuestión que intriga desde siempre a los prehistoriadores es porqué no se representaba al propio ser humano en el arte rupestre más antiguo. Cierto que existen esculturas de figuras humanas en esta época pero (ni en Chauvet ni en las demás cuevas paleolíticas) nunca se pinta a personas en las paredes.

"En esos días es posible que un clan familiar estuviese formado por unas 20 personas y el clan más cercano se encontrase a veinte kilómetros. Era un mundo de muy pocas personas que vivían en un mundo de animales ", señaló Jean Clottes, un arqueólogo del Ministerio de Cultura francés . Clottes cree que las pinturas rupestres eran religiosas o espirituales, tal vez utilizadas y creadas por chamanes, que invocaban espíritus animales para ayudar con la caza, y también en momentos rituales de nacimiento, muerte y enfermedad. "Estos animales estaban llenos de poder, y las pinturas son imágenes de poder", dijo Clottes.

Esa es una teoría. Otra es que los animales representan varias filiaciones o clanes tribales, mientras que otra idea sugiere que las pinturas fueron una forma creativa de rastrear los ciclos naturales de los animales que proporcionaron el sustento primario a las primeras personas. De hecho, analizando el orden de las imágenes superpuestas, los arqueólogos determinaron que siempre que aparecen caballos, uros y ciervos en el mismo panel, el caballo está debajo, los uros en medio y el venado en la parte superior, y que las variaciones en sus capas corresponden a sus respectivas estaciones de apareamiento. La tríada de "caballo-uro-venado" vincula los ciclos de fertilidad de animales importantes, y tal vez sagrados o simbólicos, con los ciclos cósmicos, lo que sugiere una gran metáfora sobre la creación.

Pero la verdad es que quienes crearon estas obras, fuesen pocos o muchos, fueron seres humanos como nosotros y tendemos a autorrepresentarnos. El que no aparezca ninguna persona sigue siendo un enigma.

https://www.mnn.com/lifestyle/arts-culture/blogs/how-early-humans-painted-masterpieces-frances-chauvet-cave
http://diegoiguna.blogspot.com/2011/04/la-cueva-chauvet-pont-darc.html
http://diegoiguna.blogspot.com/2013/01/el-secreto-de-la-pinturas-rupestres.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Cueva_de_Chauvet
http://www.nationalgeographic.com.es/historia/actualidad/son-estas-las-representaciones-mas-antiguas-de-una-erupcion-volcanica_10052/5
http://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/la-cueva-chauvet-ultima-revelacion-del-arte-de-la-prehistoria_7692/2#slide-1
http://diegoiguna.blogspot.com/2011/12/sexo-caza-y-supervivencia.html

El secreto de las pinturas rupestres

Los hombres del Paleolítico no escogieron al azar las paredes donde pintaron mamuts, bisontes, ciervos y caballos. La mayoría de las pinturas rupestres fueron ejecutadas en cavidades que amplifican la intensidad y duración de los sonidos, y donde hay numerosos ecos.

Los estudios realizados a fines de la década de 1980 por Iegor Reznikoff y Michel Dauvois, muestran que las cuevas constituyen un universo sonoro a todos los efectos extraordinario.

"Es ilusorio querer comprender el significado del arte rupestre limitándose al aspecto visual", dice Yegor Reznikoff, señalando que no es concebible mirar las pinturas rupestres como simples escenas de caza. Cuando ellos encendían las antorchas, las voces les daban "un significado ritual, un efecto chamánico".

La asociación entre el sonido y la imagen en el arte rupestre se ha confirmado en España en los abrigos rocosos de la región de Valltorta, al norte de Valencia (Journal of Archaeological Science, diciembre de 2012). Las pruebas acústicas utilizadas -la voz humana, un silbato y golpes de manos- han demostrado que también hay pinturas concentradas en zonas que se caracterizan por una fuerte resonancia acústica y muchos ecos. Menos célebre que el arte magdaleniense, el arte parietal levantino es mucho más reciente (de hace unos 10.000 a 6.500 años) que el de la cueva de Chauvet (30.000 años) o Lascaux (18.000 años). Realizados por ganaderos y agricultores, las pinturas representan, muy esquemáticamente, a animales -muchas cabras- y a seres humanos cazando y en lucha.

En Francia, las investigaciones acústicas se han llevado a cabo en las cuevas de Portel, Niaux, Oxocelhaya y Isturiz, en los Pirineos, y en Arcy-sur-Cure, en Borgoña. En todas estas cuevas entre el 80% y el 90% de las obras pictóricas se encuentran sobre paredes donde los sonidos resuenan mucho, lo cual está lejos de ser la norma. A través de su investigación, Iegor Reznikoff se dio cuenta de que el sonido y las imágenes son inseparables. En la cueva de Portel, que ha sido cartografiada al completo, no hay ninguna pintura en una gran sala con paredes perfectamente lisas, sin ninguna resonancia.

Más en http://www.lefigaro.fr/sciences/2012/12/14/01008-20121214ARTFIG00548-le-secret-ignore-des-peintures-rupestres.php 

y en http://terraeantiqvae.com/

La cueva Chauvet-Pont-D´Arc

La cultura Auriñaciense está muy extendida sobre todo en la región del Alto-Danubio (Alemania), en Austria, en la región de Moravia (Eslovaquia) y en la zona cantábrica (España). En Francia, los auriñacienses se instalaron en los pequeños valles, en la región de los Eyzies-de-Tayac en Dordoña y en el Piemont pirenaico. La presencia de esta civilización es muy discreta en Ardèche exceptuando la cueva Chauvet.


El Auriñaciense se distingue de las culturas precedentes por las numerosas mejoras obtenidas en la talla del sílex, por una diversificación de los útiles y por las innovaciones introducidas. El trabajo se realiza sobre hojas y no sobre lascas. Las cornamentas de cérvidos, el hueso y el marfil son utilizados en la fábrica de armaduras de caza. Los auriñacienses no emplean el propulsor ni el arco, tampoco han sido halladas agujas de ojo por lo que las ropas debían ser cosidas de un modo más grosero de lo que se hará posteriormente. Dentro de las innovaciones figura el desarrollo del adorno corporal: conchas y dientes perforados, así como la presencia de otros colgantes en hueso se encuentran asociados a brazaletes y perlas de marfil. Sin embargo, la súbita expansión del arte monumental, del que atestigua la cueva Chauvet es ciertamente la mayor invención de esta cultura.

La visita es impresionante, no te la pierdas: http://www.culture.gouv.fr/culture/arcnat/chauvet/es/index.html

Ani, la ciudad fantasma de las 1001 iglesias

Abandonada por sus habitantes, una vez próspera y poderosa, la ciudad de Ani está situada en la parte turca de la zona militarizada en la frontera de Turquía y Armenia.

Hoy es una ciudad fantasma, pero sus habitantes armenios llegaron a sumar cerca de 200 mil. En sus buenos tiempos fue una gran ciudad que rivalizaba con Constantinopla, El Cairo o Bagdad como centro de cultura y de comercio.


Galería de fotos en http://www.kuriositas.com/2011/01/ani-ghost-city-of-1001-churches.html

El compromiso político de Picasso

Un objetivo del establishment artístico de EEUU (que es profundamente conservador) es despolitizar el arte, marginando o desdeñando el arte comprometido en el proyecto de cambio de la sociedad. Un ejemplo de ello es el artículo que el crítico John Richardson acaba de escribir en The New York Review of Books (la revista intelectual más prestigiosa de EEUU) sobre Picasso y su compromiso político (25-11-10), a raíz de la exposición de las pinturas de Picasso sobre el tema Libertad y Paz –que se está exponiendo en Viena y se presentará después en Copenhague–.
Tal artículo intenta despolitizar cualquier expresión artística, intento que es, por cierto, profundamente político[...]
En este objetivo de despolitizar el arte, se enfatiza la vivencia existencial del artista sin ninguna reflexión sobre el contexto político que la configura. Ello explica que John Richardson llegue a atribuir las variaciones en el arte de Picasso, primordialmente, a los cambios de amantes y la influencia que estas tuvieron –según Richardson– en el pintor. Es cierto que cita que Picasso fue miembro del Partido Comunista desde el año 1944 y que nunca dejó de serlo, pero trivializa este hecho como si fuera una mera anécdota sin importancia. En realidad, dice que los vaivenes políticos de Picasso (le atribuye erróneamente ser monárquico antes de la Guerra Civil) eran tan constantes como los cambios de amantes [...]
Una última nota. Picasso ha sido uno de los pintores que más coherencia han mostrado en su vida. Es el caso opuesto a Dalí que, para congraciarse con la dictadura, insultaba públicamente a Picasso, llegando a enviar telegramas de felicitación al dictador cuando este firmaba penas de muerte para los miembros de la resistencia detenidos (y fusilados) por la dictadura. Pocas veces ha alcanzado un artista, o un ser humano, el nivel de vileza de Dalí. No era de extrañar que, cuando se estableció la democracia, Dalí se fuese durante una temporada a Francia, temeroso de que la población lo linchara. Hoy el establishment conservador español y catalán adora y promueve a Dalí, e ignora a Picasso.

El comportamiento oportunista y vil de Dalí, sin embargo, contrastó con la integridad de Picasso, que desde el principio hasta el final mostró su horror por la guerra, por el nazismo y por el fascismo, y por todos sus semejantes que todavía persisten. Y ahí quedan su Guernica, La violación de las Sabinas, Masacre en Corea y muchos otros cuadros, piezas que continúan siendo relevantes, como lo demostró el hecho de que, durante la Guerra de Irak, el secretariado de Naciones Unidas ordenara sacar una reproducción del Guernica de la sala de prensa de Naciones Unidas donde se daban las conferencias de prensa sobre la invasión de Irak.
Querer presentar a Picasso como apolítico y carente de compromiso es una mezquindad y una ofensa a su memoria y a la de miles y miles de artistas que defendieron los valores de la justicia pagando un enorme coste por ello [...]

Texto completo en http://www.vnavarro.org/?p=5247